Hatice Dikbaş

Wie haben Sie mit dem Malen begonnen? Erinnern Sie sich an den Moment, als Sie den „ersten Pinsel“ in die Hand nahmen?

Ich bin schon in meiner Kindheit mit dem Malen in Berührung gekommen. Meine Grundschullehrerin bemerkte mein Talent auf diesem Gebiet und unterstützte mich immer. Durch ihre Anleitung nahm ich an „Malwettbewerben für Kinder“ teil. Während meiner Ausbildung erhielt ich keine „professionelle Malerausbildung“, gab aber das Malen nie auf. Es war „einer der schönsten Momente in meinem Leben“, meine „Vorstellungskraft auf die Leinwand zu bringen.“ Als ich an der Universität angenommen wurde, entschied ich mich nicht für die bildenden Künste, sondern für das Fach „Englische Sprache und Literatur.“ Aber meine „Liebe zur Malerei“ war immer bei mir. Das Erste, was ich mir von meinem Taschengeld kaufte, waren „eine Leinwand, ein Pinsel und ein Farbset.“ Das erste Bild, das ich auf der Leinwand malte, war „eine Landschaft.“ In diesem Moment wurde mir einmal mehr klar, wie tief meine „Verbindung zur Malerei“ war.

Wie haben Sie Ihren künstlerischen Stil entwickelt? Welche Phasen haben Sie dabei durchlaufen?

Mein Interesse an der Malerei war so groß, dass ich „jede Technik ausprobieren wollte“, von der ich hörte. Ich entdecke und probiere immer noch neue Techniken aus. „Etwas Neues zu schaffen“, erfüllt mich mit „großer Aufregung.“ In diesem Prozess habe ich entschieden, dass „Öl und Acryl“ die Materialien sind, mit denen ich am besten ausdrücken kann, was ich sagen möchte. Auch wenn ich von Zeit zu Zeit an „deformierteren oder abstrakten Figuren“ gearbeitet habe, zieht es mich im Moment mehr zu „realistischen Porträts“ hin. Dennoch schließe ich auch abstrakte Arbeiten ein, weil es mir „große Freude bereitet“, meine „eigene Geschichte auf der Leinwand zu erschaffen“, indem ich „frei mit Farben und Formen spiele.“

Wer sind die Künstler, die Sie am meisten beeinflusst haben? Und warum?

Eigentlich gibt es viele Künstler, die mich beeinflusst haben, aber wenn ich Namen nennen müsste, dann haben einige von den Hunderten, die sich der Kunst verschrieben haben, einen „ganz besonderen Platz“ für mich. Die „Verwendung von Licht“ und das „Verständnis von Tiefe in den Figuren“ von Meistern wie Caravaggio, Rembrandt und Vermeer haben mich immer beeindruckt. Goya hat „tiefe Spuren in meinem Geist hinterlassen“ mit seiner Art, die „dunklen Seiten der menschlichen Seele“ anzusprechen, seinen „kraftvollen Themen“ und seinem „freien Stil.“ Die „sehr freien und wegweisenden Werke“ von Cézanne für seine Zeit haben mir ebenfalls Mut gemacht. Und natürlich Van Gogh… Es ist meiner Meinung nach „fast unmöglich, von ihm nicht beeinflusst zu werden.“ Ich könnte stundenlang die „Frauenporträts von Modigliani betrachten“; es gibt ein „Geheimnis und eine Tiefe in diesen Gesichtern.“ Salvador Dalí ist zweifellos „einer der Namen, die mich am meisten beeinflusst haben“; seine Werke, die die „Grenzen der Vorstellungskraft sprengen“, inspirieren mich immer wieder. Edward Hoppers „introspektive, melancholische Gemälde“ haben mich zum Nachdenken angeregt und „tief berührt.“ Vor kurzem habe ich die Werke von Anselm Kiefer kennengelernt; die „historische Tiefe“, die „vielschichtige Struktur“ und die „emotionale Intensität“ in seinen Werken beeindrucken mich sehr.

Von welcher Kunstrichtung oder Epoche lassen Sie sich inspirieren?

Mein Kunstverständnis hat eine „vielschichtige Struktur“, die sowohl von klassischen als auch von modernen Epochen inspiriert ist. Ich interessiere mich für die „technische und erzählerische Tiefe der klassischen Malerei“, die sich durch die „dramatische Licht-Schatten-Nutzung“ und die „figurative Kraft der Barockzeit“ auszeichnet. In der modernen Zeit fühle ich mich denen nahe, die mit „emotionsbasierten, expressionistischen Pinselstrichen“ arbeiten und in ihrer Kunst „Freiheit und inneren Ausdruck“ betonen. Ich kann sagen, dass die „Vorstellungskraft in Bezug auf den Inhalt“ mich sehr beeinflusst. Ich lasse mich von Szenen mit Themen wie „Einsamkeit und Innenschau“ sowie von „vielschichtigen Erzählungen“ inspirieren, die das „historische Gedächtnis“ hinterfragen. Ich suche meinen eigenen Weg zwischen „figurativem Expressionismus, Realismus und moderner abstrakter Erzählung.“

Wie beginnen Sie ein Werk? Woher kommt die Inspiration?

Manchmal finde ich Inspiration in der „Vorstellungswelt eines Romanhelden“, manchmal in einem Menschen, dem ich in meiner Umgebung begegne und dessen „Stimmung sich in seinem Gesicht widerspiegelt.“ Manchmal kann mich „ein Traum“, manchmal „ein Bild, das plötzlich wie ein Schnappschuss in meinem Kopf auftaucht“, zum Malen führen. Diese Bilder leben und formen sich in mir, bis sie sich auf der Leinwand in eine „Erzählung verwandeln.“

Wie organisieren Sie Ihr Atelier? Haben Sie ein Arbeitsritual?

Die Materialien in meinem Atelier sind im Allgemeinen in zwei Gruppen unterteilt. Die erste besteht aus „Leinwand, Pinsel, Palette, verschiedenen Lösungsmitteln und Hilfsmaterialien“, die ich für meine Ölarbeiten verwende. Die zweite Gruppe umfasst die Materialien, die ich für „Acryl- und Mischtechnik-Arbeiten“ benötige. Ich achte sorgfältig auf die Materialauswahl für beide Techniken und versuche, meine Werkzeuge „bewusst und effizient“ angepasst an die jeweilige Arbeit zu nutzen. „Unordentliches Atelier“ mag ein Klischee für Künstler sein, aber für mich trifft das nicht zu. „Eine aufgeräumte Arbeitsumgebung macht auch meinen Geist klarer.“ Wenn alles an seinem Platz ist, „spare ich Zeit und steigere meine Produktivität.“ Ich weiß nicht, ob es als Ritual zählt, aber ich kann nicht ohne Musik malen. Musik ist mein „wichtigster Begleiter“, der mir hilft, mich „mental von der Außenwelt zu isolieren“ und „zur Leinwand überzugehen.“

Was sind Ihre Lieblingstechniken und -materialien? Und warum?

Eine meiner Lieblingstechniken ist die „Kombination von Realismus und Abstraktion.“ Das Schaffen eines Gleichgewichts zwischen der „direkten Verbindung, die figurative Details mit dem Betrachter herstellen“, und der „freien, interpretationsfähigen Struktur abstrakter Elemente“, gibt mir sehr viel. Wenn ich diese beiden Ansätze kombiniere, denke ich, dass ich Werke schaffen kann, die sowohl „mentale als auch emotionale Ebenen“ haben und den Betrachter „zum Nachdenken und Fühlen einladen.“

Mein Lieblingsmaterial sind „flüssige Farben“ – egal ob Öl oder Acryl. Ich glaube, dass ich mit diesen Materialien die Wirkung, die ich erzielen möchte, „besser und einfacher reflektieren kann.“ Ihre „flüssige Struktur“ ermöglicht sowohl spontane als auch kontrollierte Eingriffe, was meinen Werken sowohl „Dynamik als auch Ausdruckskraft“ verschafft. Ich fühle mich wohler, wenn ich diesen Ablant einhalte.

Wie entscheiden Sie, wann ein Werk abgeschlossen ist?

Die Entscheidung, wann ein Werk fertig ist, „fällt nicht immer einfach.“ Manchmal, auch wenn ich alles, was ich geplant hatte, auf die Leinwand gebracht habe, erscheint das instinktive Gefühl, dass „etwas fehlt.“ Dieses Gefühl veranlasst mich, weiterzuarbeiten, das Bild neu zu hinterfragen und gelegentlich mit „sehr kleinen Berührungen“ die Vollständigkeit zu erreichen. Aus diesem Grund ist das „Gefühl der Vollständigkeit“ für mich oft „nicht nur eine technische Vollendung, sondern auch eine innere Befriedigung.“

Welche Themen behandeln Sie am häufigsten in Ihren Werken?

Das Thema, das ich in meinen Werken am häufigsten behandle, ist die „Frau.“ Ich versuche, die „Seelenzustände, Träume und Erfahrungen der Frau“ zu erzählen. Manchmal bringe ich ein „in einem Blick verborgenes Gefühl“, manchmal eine „in einer Haltung versteckte Vergangenheit“ auf die Leinwand. Die weibliche Figur ist für mich „nicht nur ein Körper, sondern eine Emotion, eine Geschichte und die Zeit selbst.“

Wie wählen Sie Ihre Farbpalette aus? Was bedeuten Farben für Sie?

Ich bevorzuge im Allgemeinen „warme Erdtöne.“ Diese Töne machen die Charaktere in meinen Gemälden „nicht nur lebendiger und realistischer“, sondern passen auch zu der „melancholischen Stimmung“, die ich vermitteln möchte. Ich sehe Farben nicht nur als „visuelles Element“, sondern als ein „starkes Werkzeug“, das die „emotionale Tiefe der Erzählung“ unterstützt.

Welche Botschaft möchten Sie dem Betrachter vermitteln?

Durch meine Werke möchte ich den Betrachter nicht nur mit einem Bild, sondern mit „einem emotionalen Zustand in Kontakt bringen.“ Ich möchte, dass jeder in den „Blicken der Figuren auf der Leinwand, in den Übergängen der Farben oder in den Leerstellen“ eine Spur seiner „eigenen Geschichte findet.“ Während ich mich in meinen Werken besonders auf die „innere Welt“ und die „emotionale Tiefe der Frau“ konzentriere, lade ich den Betrachter eigentlich zu „seiner eigenen inneren Reflexion“ ein. Für mich ist es wichtig, dass derjenige, der das Bild betrachtet, „nicht nur bemerkt, was er sieht, sondern auch, was er fühlt.“

Bevorzugen Sie abstrakt oder figurativ? Und warum?

Ich bevorzuge die „figurative Erzählung“, aber ich möchte mich nicht vollständig an sie binden. Ich möchte mich von Zeit zu Zeit „durch die Verwendung von Abstraktion befreien.“

Wie hat die Pandemiezeit Ihre Kunst beeinflusst?

Die Pandemiezeit hat meine „Sicht auf das Leben grundlegend verändert.“ Die „so enge Konfrontation mit der Realität des Todes“ hat mich erkennen lassen, wie „ernst wir das Leben nehmen“, und wie „wenig wir in der täglichen Hektik in uns selbst hineinhorchen.“ Ich dachte, dass wir unsere Gefühle unterdrücken und ihnen nicht genug zuhören.

Dieses Bewusstsein hat sich in meiner Kunst deutlich gezeigt. In den Werken, die ich nach der Pandemie geschaffen habe, sind die „Hinwendung zur inneren Welt“, der „Zustand des Innehaltens und Nachdenkens“ und die „Zerbrechlichkeit des Menschen“ viel deutlicher geworden.

Was denken Sie über digitale Kunst? Steht sie in Konkurrenz zu traditionellen Techniken?

Ich mag digitale Kunst und denke, dass es „wirklich sehr erfolgreiche Künstler“ in diesem Bereich gibt. Kunst war schon immer ein „Spiegel ihrer Zeit.“ So wie die Werke vergangener Epochen den „Geist ihrer Zeit“ trugen, wird digitale Kunst in einer Ära, in der Technologie so sehr Teil unseres Lebens ist, zu einer „natürlichen Ausdrucksform.“ Als Künstlerin, die mit traditionellen Techniken arbeitet, sehe ich die digitale Kunst „nicht als Konkurrenz“, sondern als ein „starkes Feld, das zur Bereicherung der zeitgenössischen Kunst beiträgt.“

Welche Projekte planen Sie für die Zukunft?

Zu meinen Plänen für die nahe Zukunft gehört die Arbeit an „Porträts berühmter Künstler“ im Rahmen eines Projekts, das ich mit großer Freude angenommen habe. Dieses Projekt dient sowohl der „Entwicklung meiner technischen Fähigkeiten“ als auch als „Hommage an die Literaturgeschichte.“ 

Darüber hinaus plane ich, eine „neue Serie“ für die kommenden nationalen und internationalen Kunstmessen und Ausstellungen vorzubereiten. 

Mit diesen neuen Arbeiten strebe ich danach, mich und meine „künstlerische Sprache weiterzuentwickeln“ und „eine starke Verbindung zum Publikum aufzubauen.“